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Este curso plantea, de manera exprés, un proceso de creación completo. Un proceso donde los participantes, en cada una de las fases del curso, juegan tres de los grandes roles de todo proceso creativo escénico: La escritura, la actuación, y la dirección.

Primera fase o primera semana. (Fase de escritura)
En esta fase empezaremos frente a un papel blanco. En él, y después de consensuar un tema común con el grupo, cada uno de los participantes creará y desarrollará, siempre ayudado por el grupo, un personaje que le gustaría crear. A partir de aquí, entre todos escribiremos breves monólogos que darán vida a diferentes personajes. Al final, seleccionaremos un personaje por participante, puede ser que haya sido uno que hayamos escrito nosotros mismos, o uno que haya escrito otro compañero/a.

Segunda fase o segunda semana. (Fase de interpretación)
En esta fase pondremos en pie estos monólogos con nuestro cuerpo y nuestra voz. Descubriremos cuáles son sus miedos, qué los gusta, que detestan. Será una fase donde enfrentaremos a los personajes a situaciones extremas para ver como podrían responder, y dónde jugaremos a explorar sus límites.

Tercera fase o tercera y cuarta semana. (Fase de dirección)
Esta tercera y última fase se dividirá en dos partes.

3.1 Mezclaremos a los personajes y los haremos dialogar.

Apareciendo de este modo el concepto de escena. Nos dividiremos en grupos en los cuales todos y todas jugaremos el rol de la dirección de las escenas.

3.2 El montaje.

Nos dividiremos en dos grupos, y el material que se haya obtenido en el proceso, se ordenará y dará forma de dos montajes.

El último día mostraremos el resultado de las dos propuestas a nosotros mismos. Tomando el rol de espectador/a.

Este es un taller dedicado a intérpretes de teatro que quieran escribirse un monólogo a partir del cual trabajar, ya sea para armar una producción o para su propio entrenamiento o por el mero gusto de probarse en la escritura. Trabajaremos a partir del análisis de textos, de monólogos que nos sirvan como paradigma y disparadores de nuestros propios textos.

Analizaremos la esencia del monólogo, cuál es su origen, como se desata del propio texto dramático para inaugurar casi un género mismo. La primera parte del taller será de escritura, a partir del análisis y de ejercicios a través de los textos propuestos. El objetivo de esta primera parte del taller será generar un material textual del cual partir. Durante la segunda parte del taller, pondremos en pie ese material generado. Lo testaremos para ver qué funciona y que no.

Si quieres desarrollar una idea para hacerla escénica o generar material para una pieza teatral o simplemente tienes curiosidad y quieres adquirir algunas herramientas de creación escénica, este taller te puede interesar. Durante el taller realizaremos ejercicios y juegos de creación contemporánea poniendo la atención en la acción, el texto y el espacio y las posibilidades de jugar con estos elementos para crear una composición escénica nueva. Desde una obra de Shakespeare a un video de YouTube, todo es susceptible de ser mirado desde un nuevo punto de vista y ser transformado en material para una futura pieza, ya sea dramática o postdramática.

Mas allá de etiquetas, el creador teatral tiene que organizar y equilibrar de manera efectiva el discurso, la imagen y la acción dentro del tiempo y el espacio de la escena para crear una representación que sea atractiva y significativa para el público. Dirigido a actores, actrices, director@s, autor@s, escenograf@s o cualquier persona relacionada con el teatro, que tenga interés en la creación escénica.

Si todo en nuestra vida es relato, la ficción es la única realidad. Cuando interpretamos una historia, recreamos sueños y los hacemos reales.

Esa es nuestra profesión. Encarnar la piel, las palabras y los silencios de los personajes para hacerlos presentes. Y de este modo, con un poquito de suerte, hacer de una mentira una realidad.

Si además hacemos reír, esa suerte que tenemos.

¿Y cómo conseguir todo esto? Ni idea. Sinceramente. Siempre es un misterio.

Y en ese misterio nos adentraremos en el curso, para buscar la verdad en la comedia y la pausa dentro de la frase.

La voz toma forma en el cuerpo y el cuerpo se expresa a través de la voz. La riqueza vibracional, energética y presencial de una voz sana íntimamente ligada en el cuerpo, es vital para el trabajo escénico. Cada ser es una voz, un carisma, una presencia y juntos descubriremos nuestros registros vocales y como estos afectan e inciden en la interpretación. Ser un mismo, tener verdad, carisma, ser genuina, son elementos primordiales para trabajar la voz, el canto, el grito, la alegría o el desgarro. Será un camino de autoexploración fundamentado en la técnica, la observación, la fisiología y la práctica de múltiplos y variados enfoques que despiertan una conciencia vocal. Como profesional e investigadora apasionada de la voz, decir que, solo la técnica, te da la libertad para disfrutar en escena y comunicarte con las y los espectadores.

El que conozco y el que re-descubro. El que muestro y el que aparece.

Este laboratorio propone poner la atención en la experiencia física del expresivo; en esa danza que se despliega cuando me pongo en relación con la otro, dando espacio así a nuevas ideas sobre mi propio cuerpo.

Habitar otro cuerpo explora la relación con aquello que puedo nombrar: el físico, la presencia de un tiempo y un espacio, la mirada, las texturas, los pesos, etc, encontrando un sentido de facilidad en los nuevos recorridos que traza mi cuerpo. Un camino de ida y vuelta entre el que conozco y el que re-descubro, lo cual muestro y el que aparece. Una práctica que despierta el inconsciente pudiendo así bailar desde el goce y el deseo de moverse en y hacia el desconocido.

¿Qué opera cuando soy presente? Esta pregunta como brújula para seguir en la busca de cuerpos disponibles y genuinos que bailan la potencia de un encuentro único.

Moltes vegades, per a trobar eixa relació carnal amb les paraules en el teatre, ens ajuda situar als personatges en poderoses cruïlles i abismes… Cruïlles entre el cap i les vísceres, entre la prosa i la poesia, entre la realitat i els desitjos més profunds…

En este taller, eminentment pràctic, dirigit a dramaturgs, intèrprets i directors, jugarem a crear cruïlles fèrtils per a l’escena tant individuals com colectives. Transformant eixa tensió en humor, bellesa, emocions complexes, misteri, inconsciència i consciència.

Iniciació al mon de la gestió i la producció.

Curs dirigit per a professionals d’arts escènciques de qualsevol disciplina que vulguencrear la seua pròpia companyia, productora o empresa de gestió, ja siga per voluntat pròpia o per necessitat.

Taller teòric, però sobretot, pràctic on ens iniciarem en les diferents fases de la vida d’un espectacle: preproducció, creació, exhibició i explotació.

Curs elaborat per La Negra Produce (Carlos Amador i Mayte Barbazán) i la col·laboració de diversos professionals del sector.

Un curs per a intèrprets o creadors de qualsevol disciplina: actrius, actors, ballarines, ballarins, cantants, poetes, poetisses, dramaturgues, dramaturgs, músics…

• Què t’agradaria fer en escena?
• xxxxxxxx
• Fes-ho
• Com?!
• Ho veurem.

Un curs on provar i investigar sobre la creació escènica.
Un espai per a dotar de valor poètic les nostres accions en escena i integrar en la nostra “creació” estímuls d’altres disciplines i persones.

A partir d’un grup de treball multidisciplinar integrat per diferents perfils artístics crearem un espai de confiança on volcar els desitjos més ocults que tenim com artistes. El procés será redissenyar estos anhels amb l’ajuda d’altres llenguatges i buscar la forma escènica i suficientment poética que els suporte.

Una escena no és només la interpretació d’un acte o la construcció de sentit, sinó la vivència d’una experiència. Interpretacions i sentits existeixen però travessar una situació donada és el nucli de l’escena. Estar en escena és sostindre la relació amb el que està passant.

En aquest curs treballarem la ficció (un text teatral) enfocant-nos exclusivament a utilitzar elements tangibles i perceptibles. El real, singular, present i concret (est, aquesta, ací i ara) servirà d’accés a l’imaginat.

Els actors aniran perdent la por d’adaptar-se i participar d’eixes coses que realment estan passant. Celebrarem el present, dinàmic, canviant i viu. Observar, interactuar, utilitzar, integrar, incorporar elements presents de manera conscient i lúdica. L’objectiu últim del curs no és resoldre, mostrar el resultat acabat d’una escena triada sinó arribar a poder valdre’ns d’ella com a mitjà per a dialogar amb el present. No busquem afermar un lloc al qual arribar sinó consolidar un lloc des que partir.

Totes eixes coses que realment estan passant són oportunitats i no amenaces. No sempre encaixen amb el preconcebut, ens posen en problemes o ens incomoden. Però ens espavilen, ens obrin els ulls, activen la nostra curiositat, ens connecten i embullen amb el món. Ens posen en relació amb la realitat. Ens commouen i ens obrin a l’altre. No són la conclusió de res, sinó una obertura, un començament de viatge.

Partir del que està passant i no del que hauria de passar a més d’entrenar l’observació, atenció i consciència escènica, ajuda a donar una resposta realista a estímuls i situacions que sorgeixen en escena, fomenta una interacció real i ofereix eines per a la construcció de personatges en funció del que és materialment accessible en l’entorn escènic. Apel·lar un mitjà comú i compartit allunyant-nos de prejudicis, codis i estereotips enriqueix les nostres actuacions i brinda una experiència teatral més convincent per al públic.

Des de el primer batec fins a les portes de l’escena. Des de la imatge que es inquieta fins al dibuix d’un instant. Traduir el pensament en situacions. El teatre no és més que un cúmul de situacions. Un eco de la humanitat. Un treball basat en l’observació d’allò quotidià. Fugir de les idees i endinsar-se en els fets. De la miserable i brusca contemplació del nostre entorn diari.

Treballem amb allò personal i poètic per a destil·lar-ho en tràgic i còmic. D’una papallona a un tornado. Compartir amb els i les alumnes el mètode de creació de la nostra companyia La Teta Calva. Un procés de navalla multiusos on allò polièdric i carent de rumb s’enfoca en una sola direcció escènica basada en la prova, l’error i la ceguesa constant.

L’assaig i el taller és el lloc dels esdeveniments. Nadar en la incógnita, caminar en la deriva, és senyal de grans troballes. Esbrossar el propi bosc una vegada i una altra. Impulsos amagats, treballs orfes i que han quedat oblidats en el terreny de la inseguretat serán la ferramenta d’un treball on les incògnites ens servirán d’aliades per a la construcción d’un inici d’un text dramàtic. Posar-nos en mans de l’altre. Desvincular-nos del nostre material i treballar l’alié.Deixar- nos modelar per allò insospitat i mirar amb altres mirades.

Un laboratori on la dramatúrgia, l’actuació i la direcció es conjuguen en un entramat d’impulsos creatius, de paisatges escènics on l’experimentació i la cerca seran la llavor i pot ser la collita…

La voz toma forma en el cuerpo y el cuerpo se expresa a través de la voz. La riqueza *vibracional, energética y presencial de una voz sana íntimamente ligada en el cuerpo, es vital para el trabajo escénico. Cada ser es una voz, un carisma, una presencia y juntos descubriremos nuestros registros vocales y como estos afectan e inciden en la interpretación. Ser un mismo, tener verdad, carisma, ser genuina, son elementos primordiales para trabajar la voz, el canto, el grito, la alegría o el desgarro. Será un camino de autoexploración fundamentado en la técnica, la observación, la fisiología y la práctica de múltiplos y variados enfoques que despiertan una conciencia vocal. Como profesional e investigadora apasionada de la voz, decir que, solo la técnica, te da la libertad para disfrutar en escena y comunicarte con las y los espectadores.