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Trabajar en pareja (o con tu pareja) es y ha sido un formato habitual a lo largo de la historia de las artes escénicas. Formar un tándem con alguien con quien te entiendes puede ser una buena manera de trabajar: compartir, confiar, discutir, debatir, contrastar, decidir juntas, llegar a acuerdos, releer, complementar y asumir conjuntamente el resultado. Se trata en definitiva de formar un equipo con quién pensar y levantar un proyecto escénico. Donde las tareas pueden diluirse, superponerse o intercambiarse.

Trabajar con tu pareja (en pareja) puede ser tan satisfactorio como angustioso. Una actriz y un dramaturgo, dos actores, una directora y un intérprete, un iluminador y una bailarina, dos multitareas… Las combinaciones ponen de manifiesto nuestra diversidad. Y las partes que pueda aportar cada componente enriquecen el resultado y los hallazgos. El trabajo en equipo pone a prueba nuestras capacidades, nuestro talento y nuestras aptitudes con uno mismo y hacia el otro. ¿Qué puedo aportar yo? ¿Qué puede aportar el otro? Y ¿donde nos encontramos ambos?

El curso va destinado a profesionales de las artes escénicas que quieran desarrollar un proyecto de dramaturgia pensando en la puesta en escena. Desde la idea hasta las primeras escenas. Desde el deseo hasta la escritura. A lo largo de todo el mes desarrollaremos los proyectos de los participantes para acabar de dar formar, tomar las decisiones, escribir la estructura y (quizás) escribir un primer borrador.

Convocamos a parejas en la vida y en el teatro, personas que trabajan juntas o quieren trabajar con alguien. Si eras single y buscas pareja artística, nosotros te proponemos un match para el curso. Si eras single y no buscas pareja, también puedes hacer el curso. Para el curso solo necesitas una idea escénica y una pareja que quiera trabajar contigo.

Objetivos

• Establecer una metodología del trabajo en equipo.

• Reconocer las luces y las sombras del trabajo en pareja.

• Dar forma a un proyecto escénico: idea, estructura, dramaturgia…

Si tienes cualquier duda, puedes escribirnos a perezydisla@gmail.com

El personaje clown

El clown es un personaje creado e interpretado por una artista de circo o una intérprete de teatro, que nace y se alimenta de la personalidad, tics, habilidades, impulsos… de la persona artista o actriz. Por lo tanto, el personaje clown no es una construcción psicológica, física o dramatúrgica ideada al margen de nuestra personalidad y fisionomía, sino que se construye a partir, precisamente, de nuestra individualidad.

Objetivos

• Descubrir, entrenar, depurar nuestro clown y ponerlo a disposición de la metáfora.
  • Entender y practicar la comicidad y la incongruencia poética como herramientas de creación.
  • Crear números o escenas, tanto individuales como grupales, con producciones propias escritas y control de la expresividad emocional y corporal.

Contenidos

• El personaje clown.
  • Recursos cómicos para el lenguaje y la creación dramática.
  • La narración visual.
  • La metáfora escénica.

Metodología

• Transmisión oral y teórico de los conceptos.
  • Pautas y ejercicios físicos para la creación y desarrollo del personaje clown.
  • Prácticas de escritura dirigidas.
  • Improvisaciones para la creación escénica.
  • Análisis / debate de los trabajos presentados.

Básicamente lo que se le pide a un actor o actriz es, además de que sepa hablar para la escena, que sepa moverse. Sí, pero ¿cómo sabemos cuando un movimiento es dramáticamente interesante? ¿Y cómo entrenamos a un actor para que se mueva bien?

También solemos pedirle que decida y busque soluciones en el escenario: que sepa reaccionar imaginativamente dentro de una situación, que pueda sostener un estado dramático, incluso, hasta hace no mucho, se le pedía que supiera dar la ilusión de ser un personaje… Le pedimos que comprenda sin tener que explicarse para que sea capaz de transportarnos cuando le estamos mirando.

Y también, en un teatro de creación, contamos con ellos para que sean autores en escena. Para que escriban con su gesto y generen material dramático a través de sus acciones. Autores sobre una página en blanco que es la escena.

En este curso os propongo analizar el movimiento actoral, improvisar para entrenar el imaginario y a partir de aquí descubrir las diferentes escrituras posibles sobre el escenario.

Este curso plantea, de manera exprés, un proceso de creación completo. Un proceso donde los participantes, en cada una de las fases del curso, juegan tres de los grandes roles de todo proceso creativo escénico: La escritura, la actuación, y la dirección.

Primera fase o primera semana. (Fase de escritura)
En esta fase empezaremos frente a un papel blanco. En él, y después de consensuar un tema común con el grupo, cada uno de los participantes creará y desarrollará, siempre ayudado por el grupo, un personaje que le gustaría crear. A partir de aquí, entre todos escribiremos breves monólogos que darán vida a diferentes personajes. Al final, seleccionaremos un personaje por participante, puede ser que haya sido uno que hayamos escrito nosotros mismos, o uno que haya escrito otro compañero/a.

Segunda fase o segunda semana. (Fase de interpretación)
En esta fase pondremos en pie estos monólogos con nuestro cuerpo y nuestra voz. Descubriremos cuáles son sus miedos, qué los gusta, que detestan. Será una fase donde enfrentaremos a los personajes a situaciones extremas para ver como podrían responder, y dónde jugaremos a explorar sus límites.

Tercera fase o tercera y cuarta semana. (Fase de dirección)
Esta tercera y última fase se dividirá en dos partes.

3.1 Mezclaremos a los personajes y los haremos dialogar.

Apareciendo de este modo el concepto de escena. Nos dividiremos en grupos en los cuales todos y todas jugaremos el rol de la dirección de las escenas.

3.2 El montaje.

Nos dividiremos en dos grupos, y el material que se haya obtenido en el proceso, se ordenará y dará forma de dos montajes.

El último día mostraremos el resultado de las dos propuestas a nosotros mismos. Tomando el rol de espectador/a.

Este es un taller dedicado a intérpretes de teatro que quieran escribirse un monólogo a partir del cual trabajar, ya sea para armar una producción o para su propio entrenamiento o por el mero gusto de probarse en la escritura. Trabajaremos a partir del análisis de textos, de monólogos que nos sirvan como paradigma y disparadores de nuestros propios textos.

Analizaremos la esencia del monólogo, cuál es su origen, como se desata del propio texto dramático para inaugurar casi un género mismo. La primera parte del taller será de escritura, a partir del análisis y de ejercicios a través de los textos propuestos. El objetivo de esta primera parte del taller será generar un material textual del cual partir. Durante la segunda parte del taller, pondremos en pie ese material generado. Lo testaremos para ver qué funciona y que no.

Si quieres desarrollar una idea para hacerla escénica o generar material para una pieza teatral o simplemente tienes curiosidad y quieres adquirir algunas herramientas de creación escénica, este taller te puede interesar. Durante el taller realizaremos ejercicios y juegos de creación contemporánea poniendo la atención en la acción, el texto y el espacio y las posibilidades de jugar con estos elementos para crear una composición escénica nueva. Desde una obra de Shakespeare a un video de YouTube, todo es susceptible de ser mirado desde un nuevo punto de vista y ser transformado en material para una futura pieza, ya sea dramática o postdramática.

Mas allá de etiquetas, el creador teatral tiene que organizar y equilibrar de manera efectiva el discurso, la imagen y la acción dentro del tiempo y el espacio de la escena para crear una representación que sea atractiva y significativa para el público. Dirigido a actores, actrices, director@s, autor@s, escenograf@s o cualquier persona relacionada con el teatro, que tenga interés en la creación escénica.

Si todo en nuestra vida es relato, la ficción es la única realidad. Cuando interpretamos una historia, recreamos sueños y los hacemos reales.

Esa es nuestra profesión. Encarnar la piel, las palabras y los silencios de los personajes para hacerlos presentes. Y de este modo, con un poquito de suerte, hacer de una mentira una realidad.

Si además hacemos reír, esa suerte que tenemos.

¿Y cómo conseguir todo esto? Ni idea. Sinceramente. Siempre es un misterio.

Y en ese misterio nos adentraremos en el curso, para buscar la verdad en la comedia y la pausa dentro de la frase.

La voz toma forma en el cuerpo y el cuerpo se expresa a través de la voz. La riqueza vibracional, energética y presencial de una voz sana íntimamente ligada en el cuerpo, es vital para el trabajo escénico. Cada ser es una voz, un carisma, una presencia y juntos descubriremos nuestros registros vocales y como estos afectan e inciden en la interpretación. Ser un mismo, tener verdad, carisma, ser genuina, son elementos primordiales para trabajar la voz, el canto, el grito, la alegría o el desgarro. Será un camino de autoexploración fundamentado en la técnica, la observación, la fisiología y la práctica de múltiplos y variados enfoques que despiertan una conciencia vocal. Como profesional e investigadora apasionada de la voz, decir que, solo la técnica, te da la libertad para disfrutar en escena y comunicarte con las y los espectadores.

El que conozco y el que re-descubro. El que muestro y el que aparece.

Este laboratorio propone poner la atención en la experiencia física del expresivo; en esa danza que se despliega cuando me pongo en relación con la otro, dando espacio así a nuevas ideas sobre mi propio cuerpo.

Habitar otro cuerpo explora la relación con aquello que puedo nombrar: el físico, la presencia de un tiempo y un espacio, la mirada, las texturas, los pesos, etc, encontrando un sentido de facilidad en los nuevos recorridos que traza mi cuerpo. Un camino de ida y vuelta entre el que conozco y el que re-descubro, lo cual muestro y el que aparece. Una práctica que despierta el inconsciente pudiendo así bailar desde el goce y el deseo de moverse en y hacia el desconocido.

¿Qué opera cuando soy presente? Esta pregunta como brújula para seguir en la busca de cuerpos disponibles y genuinos que bailan la potencia de un encuentro único.

Moltes vegades, per a trobar eixa relació carnal amb les paraules en el teatre, ens ajuda situar als personatges en poderoses cruïlles i abismes… Cruïlles entre el cap i les vísceres, entre la prosa i la poesia, entre la realitat i els desitjos més profunds…

En este taller, eminentment pràctic, dirigit a dramaturgs, intèrprets i directors, jugarem a crear cruïlles fèrtils per a l’escena tant individuals com colectives. Transformant eixa tensió en humor, bellesa, emocions complexes, misteri, inconsciència i consciència.

Iniciació al mon de la gestió i la producció.

Curs dirigit per a professionals d’arts escènciques de qualsevol disciplina que vulguencrear la seua pròpia companyia, productora o empresa de gestió, ja siga per voluntat pròpia o per necessitat.

Taller teòric, però sobretot, pràctic on ens iniciarem en les diferents fases de la vida d’un espectacle: preproducció, creació, exhibició i explotació.

Curs elaborat per La Negra Produce (Carlos Amador i Mayte Barbazán) i la col·laboració de diversos professionals del sector.

Un curs per a intèrprets o creadors de qualsevol disciplina: actrius, actors, ballarines, ballarins, cantants, poetes, poetisses, dramaturgues, dramaturgs, músics…

• Què t’agradaria fer en escena?
• xxxxxxxx
• Fes-ho
• Com?!
• Ho veurem.

Un curs on provar i investigar sobre la creació escènica.
Un espai per a dotar de valor poètic les nostres accions en escena i integrar en la nostra “creació” estímuls d’altres disciplines i persones.

A partir d’un grup de treball multidisciplinar integrat per diferents perfils artístics crearem un espai de confiança on volcar els desitjos més ocults que tenim com artistes. El procés será redissenyar estos anhels amb l’ajuda d’altres llenguatges i buscar la forma escènica i suficientment poética que els suporte.